Robert Frost (1874-1963) es un poeta modernista norteamericano que tuvo presente la filosofía y la sencillez en su poesía. Frost busca expresar verdades inmutables en su poema El camino no elegido, ya que está reflexionando sobre las leyes del cambio en la naturaleza. Este poema sigue el postulado de Heráclito de Efeso de que nadie se baña dos veces en el mismo río, porque este cambia y sus aguas están en movimiento. Además quien regresa del río también cambia por esta ley inmutable.

El poeta pasea en el bosque, tiene la opción de escoger dos caminos en una bifurcación de la senda. Elige el menos transitado, pero piensa en las posibilidades que le hubiera deparado tomar el camino no elegido. Es conciente de la diferencia, de que esta elección se perpetúa hasta la eternidad en causalidades muy sutiles que no afectan mayormente el devenir de las cosas pero que sí son captadas por su sensibilidad. El poeta concluye que habría tomado cualquier camino, pues se veían similares esa mañana.

La influencia de Heráclito: Heráclito postuló la ley del cambio, planteó un relativismo en el espacio que consideró sujeto a influencias mínimas de una serie de decisiones que interactúan entre sí y producen efectos de toda dimensión. Robert Frost tuvo que elegir en su vida dejar el camino de la abogacía en 1899, por motivos de salud; esta elección le valió volverse poeta y conocer amigos escritores de renombre como Ezra Pound. La vida para el poeta es una toma de decisiones que repercuten a la larga.

Frost piensa que el camino descartado podrá tomarlo otro día, el camino que toma es tupido, requería uso, es como si el se sintiera destinado a hollarlo para actualizarlo como camino en el universo. En un momento se siente tentado a caminar hacia atrás para regresar al camino desechado, pero eso habría sido un esfuerzo inútil en una vida que de todas maneras le impone decidir.
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Esta es una guía para el que quiera crear sus propios cómics de Kung fu, este negocio ha estado presente desde antes de los juegos multimedia con creadores como Tony Wong; Andy Seto, dibujante para los conceptos de personajes de la saga King of Fighters y Wing Shin Ma. Estos estilos de historieta surgieron en China desde los 70´s por su tradición de artes marciales y la sutileza natural en el diseñador chino. Los cómics de este género se llaman manga en Japón, Manhua en China y Manwa en Corea.

Los cómics de artes marciales de hoy tienen preparación digital, el lujo de detalles, el reconocimiento de golpes, armas, vestimentas de artes como Kung Fu, Karate, las artes militares, el enfrentamiento entre héroes y villanos, ahora son tan exquisitos que sólo se diferencian por la caracterización del gesto, la mirada del mal versus la del bien. Casi ningún personaje es grotesco u horripilante, todas estas creaciones comparten belleza y delicadeza, pues el poder que detentan buenos y malos es similar.

Los lectores que quieran leer gratis esta guía de dibujo, disponen del siguiente link:

http://www.scribd.com/doc/3118171/How-to-draw-Kung-Fu-Comics

Los ojos lo dicen todo: La primera lección de esta guía es captar la emoción del personaje, si es un villano, importa la expresión de su maldad, la que se logra con una mezcla de sonrisa, fruncimiento de cejas y pesar. La ira está presente en el rostro del villano bajo la máscara de la risa despectiva. Los ojos del villano son delgados, sus cejas están bajas. Completa la caracterización el juego de sombras. En oposición, el héroe muestra los ojos abiertos y alerta, sus cejas un poco hacia abajo.

El héroe mira hacia arriba desde una cara agachada, para denotar confianza y determinación. Las líneas de expresión del entrecejo adoptan forma de L, y su boca está ligeramente en apuntando hacia abajo. En algunos personajes la mirada de confianza hacia el enemigo refleja mucha displicencia. Esto sirve para marcar la rivalidad entre héroes y villanos. Los cruces de estas expresiones en gestos ambiguos sirven para retratar a los antihéroes, quienes están en el límite del bien y el mal.

La oscuridad de las sombras entorno a los ojos y bordes del rostro del villano terminan de expresar su maldad. El dibujo actual volvería intercambiables a héroes y villanos, ya que todos son delicados, con predominio de los rasgos occidentales. Incluso héroes como Tidus y Squall Leonhart de Final Fantasy son adolescentes de tanta finura, que en convenciones de tiras cómicas para promocionar merchandising, eligen como Cosplay o modelo para el personaje a mujeres, aun en personajes varones de este tipo.

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Guy de Maupassant (1850-1893) escribe unas historias que muestran la evolución de los afectos por las peripecias de la pobreza y la bonanza. En su cuento Las joyas, describe la vida de un oficial del ministerio del interior, Lantín, quien se casa con una mujer hermosa, ahorrativa, que en apariencia compraba joyas de fantasía y era aficionada al teatro. Cuando muere la bella mujer, Lantín encanece rápido, pasa miseria hasta que se anima a vender las joyas de su esposa, que resultaron ser verdaderas.

Cuando gana dinero con todas las joyas, Lantín se da la buena vida, renuncia al trabajo y se vuelve a casar con una mujer que lo hace infeliz. Lantín recibe una sanción del relato pasar del ahorro y moderación al dispendio. Incluso va al teatro, al que no le gustaba ir a acompañar a su mujer. En otro cuento de Maupassant, Campesinos, la vida de unos niños aldeanos cambia cuando uno es adoptado por gente pudiente, y el otro al crecer y verlo en progreso, se torna resentido con el mundo.

El ahorro encubierto: La esposa de Lantín consigue joyas por medios desconocidos, ella miente a su marido, dice que los objetos son de fantasía. El suegro de Lantín tenía una buena posición, por lo que pudo dejarle a su hija un ahorro en joyería para que disponga según sus necesidades. Ella no malgastó el dinero de Lantín, economizó gastos e hizo feliz a su esposo. El ahorro era un hábito en ella, que él no puede cultivar cuando el dinero le viene de forma inesperada.

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Charles Bukowski (1920-1994) gusta a muchos, principalmente a los principiantes en poesía que lo mencionan en sus textos como cita de autoridad. Su estilo es pegajoso, rudo, es soez, muy evidente. Se marca a sí mismo por el escándalo y lo reconoce como un ethos que debe mantener aún a costo de hacer de la patanería una máscara que tenga que llevar de por vida. En su poema El pájaro azul, constantemente hace que su yo impida que aflore su lado tierno, sensible y delicado.

Bukowski está más presente en su vida con el trago, las putas, las peleas y las palabras fuertes que con la sensibilidad. El pájaro azul, como lo mejor en él, no puede salir a la luz porque tergiversaría su fama y reputación establecida de poeta sucio, loco y duro. El ave que representa lo ideal y mejor que puede tener el hombre, está en su corazón queriendo alzar vuelo, el que sólo le permite de noche para que en su etapa creativa durante el día no le sirva de influencia que cambie su estilo ya asumido.

Brutalmente discursivo: En las selecciones de poemas de Bukowski se realza la marca del yo por su presencia vital más oscura. La borrachera, la desilusión del amor, el tedio, la esposa como competencia a su poesía y fama, las prostitutas bestializadas como máquinas de copular; todo esto junto con la lisura o mala palabra es el universo de Bukowski. A pesar de su grosería, este poeta tiene momentos acertados, está dentro de la poesía confesional, del protagonismo del yo que huye a la ternura.
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Mark Strand (Canadá, 1934) logra en su poema Mi hijo, conectar lo que estuvo en potencia de la paternidad de un hombre, con la constatación de la ausencia del hijo, que nunca llegó al mundo empírico. Reproduce el vínculo paternal y la correspondiente respuesta filial desde el vacío. La ausencia es un mundo difícil de explorar, por ello no encasillaría a Strand en un ismo limitado, este poema es perfecto, muy elaborado y auto sostenido en todas sus partes, como corresponde con la poesía pura.

Strand se acercó a la obra de Alberti y de Carlos Drummond de Andrade (Brasil, 1902-1987), según el epígrafe sigue el estilo del poeta brasilero. El poema evoca un encuentro metafísico, espiritual y puro, de un hombre que no se resignó a no ser padre con su hijo virtual, crecido pero incorpóreo o “descarnado” sin nombre, más liviano que el aire, pero conectado a su progenitor por el amor filial, que corresponde al deseo puro del padre frustrado en el mundo material.

La ausencia no es pérdida: El yo poético es un ser paternal, que no ha ejercido su paternidad con un hijo biológico. Tampoco ha perdido ni abandonado a un niño por el destino o por sus actos. El hijo se reconstruye como un fantasma que sigue los pasos del padre. El amor entre ambos es recíproco, los dos se han estado llamando, el padre buscándolo en el mundo y el hijo desde una dimensión que trasciende el amor, la presencia y la ausencia, del deseo de nacer igual para el todo o la nada.

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Charles Dickens (Inglaterra, 1812-1870) escarba en el odio y la mente insana de un hombre resentido con su hermano y su cuñada, en su cuento Confesión encontrada en una prisión de la época de Carlos II. El asesino de un niño indefenso cree ver en su sobrino la mirada de desprecio de su difunta cuñada, razón por la que tiende una trampa al infante para acuchillarlo con su espada. El asesino había heredado los bienes del niño, que criaba con su esposa y con los años odiaba más al pequeño.

El relato ocurre durante el reinado de Carlos II (gobernó de 1649 a 1685), el condenado cuenta como y porque mató a su sobrino desde su prisión, en la víspera antes de ser muerto por la justicia, mientras cavan la tumba que irá a ocupar. El hombre lleno de odio, envidiaba a su hermano por ser mejor parecido y tener mejores modales, sentía que su cuñada, hermana de su esposa lo odiaba y despreciaba mucho. En la vida se habían distanciado y el hermano enfermo pide que protejan a su hijo.

El odio: El reo odia a su sobrino, quien es protegido por su esposa, cuando ella cree que el niño ha desaparecido enferma y pierde la cordura al enterarse de la muerte del pequeño. El asesino confiesa que el niño no tuvo ningún gesto de miedo mientras el lo asesinaba, era de una estirpe valiente. A pesar que se propone la geminación de los matrimonios, dos hermanos con dos hermanas, repitiendo nexos, esto no lleva a que el asesino se acercase en vida a su hermano.
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Julio Cortázar (1914-1984) destacó por el relato fantástico, que se caracteriza por cuestionar la ficción propuesta al final de la narración. En el cuento Axolotl, Cortázar plantea la transmigración de la mente humana de un escritor obsesionado con los axolotl a uno de estos batracios de origen mexicano. El axolotl que fue hombre mantiene una especie de comunicación con su antiguo cuerpo, que cada vez frecuenta menos el acuario del Jardin des plantes.

La ficción se problematiza cuando el axolotl con mente de hombre que se pasa todo el día pensando concluye que el hombre que el fue va a escribir un relato sobre la transmigración de su mente, como si todo hubiese sido imaginado. El relato privilegia la conciencia de los axolotl similar a la humana, por su cara triangular rosada, sus ojos dorados, color del misterio para el simbolismo, y su actitud reflexiva que puede tenerlos inmóviles en el acuario por mucho tiempo.

Contemplación y fusión: La mezcla con los axolotl ocurre después de una prolongada contemplación de los batracios aztecas, emparentados con los tritones y salamandras, en el momento en que el hombre pega su cara al cristal del acuario fijando su vista en uno de estos seres, descubre que está viendo al hombre desde el cuerpo del axolotl. El narrador confiesa su transformación desde el principio y mantiene el vínculo entre estos anfibios y los hombres por el referente de la cultura azteca.

En el relato hay una velada competencia cultural entre México y Argentina, los aztecas por sus grandes obras líticas son expresados como cultura de piedra, y los axolotl tienen rigidez pétrea en sus rostros. Argentina tuvo influencia prehispánica de la cultura inca hasta Tucumán. La vida del hombre y los anfibios está separada por el cristal del acuario, hasta que su mente traspasa esa frontera física y se instala en el axolotl que guarda una memoria vital del humano que fue.

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James Joyce (1882-1941) muestra una visión crítica de los hombres que presumen de conquistadores y viven a expensas de las mujeres, esto en su cuento Dos galanes, en que narra la aventura de dos hombres jóvenes que son distintos por temperamento, Corley, presumido, feo y vulgar, junto a Lenehan, serio, crítico y a la sombra de su amigo. Debido a la fama de fanfarrón de Corley, Lenehan lo sigue para confirmar si de verdad puede sacar dinero de una prostituta, antes sirvienta doméstica.

Corley se justifica de haber tenido una etapa inicial en que agasajaba a muchachas de su casa, corriendo a cuenta de los gastos, solo que en el presente prefiere vivir a una mujer fea que se ha enamorado de él, sacándole una moneda de oro. Por su parte, Lenehan tiene mayores aspiraciones pero igual está en la mediocridad de la falta de empleo y de una posición estable. Espera conseguir una mujer que le guste, y siente gran curiosidad por las mediocres aventuras de Corley.

El perfil del mediocre: Corley es un gigoló de mujeres de clase baja, pero convencido del mérito de sus conquistas. En Europa, las sirvientas no son racialmente distintas del resto de mujeres, pues hay homogeneidad en el biotipo, para vulgarizar su lance, la mujer que mantiene a Corley va a ser robusta, tosca de rasgos y de expresión vulgar. Tampoco se puede esperar mucho del éxito de Corley, pues Joyce lo pinta con una cabeza grasienta, enorme que gira de lado sobre un mentón prominente.

Lenehan está retratado con más indulgencia, por momentos se mira en su reflejo algo avejentado a sus 30 años de edad. Está al tanto de su amigo Corley, aún con sus conocidos porque no tiene nada propio que contar. La noche que Corley le cuenta que va a sacar dinero de la prostituta, antes sirvienta, Lenehan permanece inquieto, come en un bar para hacer tiempo, pero después retoma la posible ruta del gigoló para que este le cuente los pormenores de su hazaña.

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Rafael Alberti fue verdadero amigo de Federico García Lorca, a la muerte del poeta gitano, Alberti muy sentido le dedica Elegía a un poeta que no tuvo su muerte, de su poemario Capital de la Gloria (1936). Este poema mantiene una lúcida tristeza, no es un llanto incontrolado, reivindica a Lorca de la brutalidad de su fusilamiento. Su muerte fue prematura, lo marcó con horror al morir, fue la suerte que le pudo tocar a Alberti o a tantos otros poetas e intelectuales que se oponían a Franco.

La muerte de Lorca es sentida muy cercana por Alberti, por ello este promete reivindicar a su amigo y su obra en lo que le queda de vida, hermanando su obra en el anhelo de libertad que persiguieron juntos, en un mismo bando. La muerte roba la vida a Lorca, la sociedad se estremece y Alberti se siente responsable por la vida que le toca vivir, la que debe dedicar a homenajear a su amigo. Esta elegía resalta el pathos de la pérdida al destacar la figura del joven poeta abatido.

La muerte: La muerte no es un fin para Alberti ni Lorca, Federico ha llevado a su gloria el horror de su arbitrario fusilamiento, ha llevado su juventud, vigor y creatividad. Es un punto de distanciamiento físico, ya que ambos amigos se frecuentaban y compartían opiniones sobre sus poéticas. Alberti poco antes que Lorca muriera, había quedado pintar acuarelas para el Romancero Gitano, esto se concretó luego del exilio de Alberti, cuando terminó las pinturas para una edición conmemorativa de ese poemario.

La muerte de Lorca no pasa desapercibida en el ambiente, se siente a lo largo y alto del territorio “por las calles, los terrados y torres”, aún como presentimiento extiende un sentir ominoso que el poeta hermano comunica desgarrado. La muerte del amigo querido sorprende a Alberti en la distancia, que fue necesaria para salvar su vida, siente que con el crimen del poeta le han quitado hasta su propia muerte, lo han hecho morir con Lorca, pero queda el fuego del brillo de su obra para recordarla.

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Franz Kafka narró cuentos fantásticos, relatos sobre el absurdo, planteamientos sobre la justicia como El proceso y la colonia penitenciaria; pero también jugó con los hipotextos clásicos o textos base que son desarrollados en variantes gracias a la creatividad del autor. Del universo ficcional de la Odisea, recoge el pasaje de Ulises cubriendo de cera sus oídos y los de su tripulación, para no dejarse capturar por las hermosas sirenas que seducían a los navegantes con sus cantos.

Kafka propone que las inteligentes sirenas se dieron cuenta del ardid de Ulises y reaccionaron sin cantar, solo retozando en el agua y luciendo su belleza, para que el destructor de ciudades, Ulises sepa de lo que se estaba perdiendo. Kafka plantea dos hipótesis al lector, una que Ulises creyó que las sirenas cantaban cuando su nave pasó cerca de ellas, y dos que se hizo el que se protegía de su canto seductor para ganar respeto ante los dioses, ya que ni ellos penetraban su mente.

El mundo dividido: En el cuento El silencio de las sirenas, Kafka mantiene la división del mundo según la mitología griega, de una parte habitada por los hombres y otros confines dominados por los dioses o por sus descendientes como las sirenas, cíclopes, ninfas, y hasta algunos monstruos que bloqueaban pasos prohibidos a los hombres. Ulises está decidido a volver a Ítaca, no quiere perder a sus hombres para su proyecto, incluso consulta oráculos que le aconsejan ofrendar hecatombes a Poseidón.

Calipso fue la última diosa que tuvo prisionero a Ulises, ella tenía forma de mujer, las sirenas tienen la parte superior de mujer y el cuerpo inferior como cola de pez, sin embargo en algunas leyendas podían subir a los barcos tomando forma completa de mujer para atraer a los marineros y llevarlos a su morada submarina. En este pasaje tomado de la épica por Kafka compiten los orgullos de las sirenas con el orgullo de Odiseo, el desplante se hace mutuo si las sirenas estuvieron calladas.

Si Ulises entra al mundo sumergido de las sirenas ya no podrá escapar, tiene que imponer su astucia para salir del mar y llegar a tierra firme. Las aguas estaban bajo dominio de Poseidón, quien se repartió el mundo con su hermano Zeus. En siguientes cantos de la Odisea, Ulises tendrá la ayuda de la hermosa Náutica descendiente del dios del mar, que bate la tierra, y conseguirá aplacar la ira de esta deidad. La tensión del relato es intensa porque aún Ulises no sale del mar.

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