Los conflictivos lazos entre un padre y su hija

De nuevo retomamos uno de los géneros literarios más en boga en este momento, la novela gráfica. Si hace unas semanas te hablábamos de MAUS de Art Spiegel, ahora nos toca recomendarte la sorpesa del pasado año: Fun Home, de Alison Bechdel. Considerada por la revista Times una de las 100 mejores publicaciones de 2009, Fun Home gira en torno a lo nunca dicho, a los secretos, a esos agradables y terroríficos momentos que constituyen el drama familiar de cada uno. La autora revisita antiguos (o no tanto) traumas de la mano de unas viñetas llenas de matices y de referencias a la literatura contemporánea norteamericana. La historia se desarrolla en la casa fantasmal y abigarrada donde Bechdel creció sufriendo la ausencia de su padre. Una ausencia que más tarde ser hará física, cuando éste decida suicidarse.

El drama autobiográfico es una de las tendencias de la nueva novela gráfica, una forma de expiación de los propios fantasmas. Lo era Persépolis, lo era MAUS, lo era American Splendor… de la misma manera que lo es ahora Fun Home. Además de aprender a aceptar su propia condición homosexual, la autora disecciona a uno de los personajes más enigmáticos e interesantes que hayan existido en los últimos años: su propio padre. Con saltos temporales y prescindiendo del relato lineal de los hechos, Alison Bechdel nos habla de su infancia y de los (inexistentes) lazos que la unían a su progenitor. Un individuo culto y refinado que, sin embargo, vivía una vida llena de mentiras y de amargura, sometiendo a la familia a los vaivenes de su carácter.

Desde el principio, y de manera suave pero tremendamente turbadora, Alison nos va introduciendo en su propio drama personal. En la tercera viñeta ya sabemos que algo no anda bien en la casa de los Bechdel… una mansión decimonónica donde todo reluce, los muebles son auténticas obras de arte, los ornamentos abigarran el espacio y los libros de tapas de cuero completan el paisaje. Una estampa idílica donde Amanda y sus hermanos se sienten como meras figuras que forman parte una estampa familiar cuidadosamente coreografiada. Pero, finalmente, irreal. Una farsa.
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Portada de la edición completa

Pocas veces hablamos de novelas gráficas en este blog pese a su gran proliferación dentro de los circuitos comerciales normales, conviertiéndose en muchas ocasiones en éxitos de ventas. Tal fue el caso de Kiki de Montparnasse, Persépolis, 300 o de Vals con Bashir. Aquello que antes llamábamos historietas o cómics son ahora obras maduras dirigidas a un público adulto, pese a que los recursos narrativos sean los mismos. Los referentes los encontramos en las viñetas de toda la vida, desde las aventuras de Tintin hasta las historias de Corto Maltés, de Hugo Pratt.

En el caso que nos ocupa vamos a hablar de uno de los llamados precursores de la novela gráfica: Art Spiegelman. Su historieta, considerada ya un clásico moderno y una obra de referencia, le ha valido múltiples premios desde su publicación, entre ellos el Pulitzer en 1992. Nos estamos refiriendo a MAUS y a sus más de 300 páginas llenas de viñetas, que se han convertido hoy en un imprescindible de la novela gráfica. Además de en un valioso documento personal sobre las consecuencias de la barbarie nazi en las generaciones posteriores.

Inicialmente publicada en dos partes, en MAUS se dibuja la historia de dos hombres, padre e hijo. Vladek y Art. A través de la voz del hijo, el padre irá relatando sus funestas peripecias durante la ocupación alemana en Polonia por parte del régimen nacional-socialista. Los ecos de esa tragedia no solo truncarán las vidas de la generación de exiliados que consiguieron sobrevivir, sino que sus hijos y los hijos de sus hijos se preguntarán de qué manera pueden ellos sobrellevar (y comprender, por tanto) el peso de una Historia que no han vivido. Este ejercicio obligará al autor a consacrarse como narrador, el único medio posible para intentar asimilar los desvaríos de su familia y los suyos propios. Ya que las heridas no pueden cerrarse, Spiegelman escarba en el fondo de ellas para tratar de sacar algo en claro.
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'20000 leguas de viaje submarino', versión de Carl Bower

La obra de Julio Verne, considerada predecesora de la ciencia ficción ha sido adaptada a películas, dibujos
animados, cómic y libros con grabación de audio para niños. Latin Books está trayendo al español, adaptaciones de clásicos hechas por escritores de habla de inglesa, como Carl Bower en su versión para público infantil y juvenil de ‘20000 leguas de viaje submarino’ de Jules Verne. El libro tiene el formato de cómic, los personajes graves y serios, y un juego de sombras y luces que brinda varios matices de un solo color a las viñetas. El capitán Nemo es representado con una mirada adusta y un porte que lo hace temible e inescrutable a sus prisioneros.

Esta novela gráfica está dividida en cinco capítulos, que van desde el misterio que representa para la prensa mundial el asomo del nautilo en diferentes latitudes del globo. Muchos marineros veteranos, confunden el submarino con una extraña criatura que vale la pena ser cazada e investigada. Parte de este equipo de cacería científica lo conforma el profesor de biología Pierre Aronnax con su criado Conseil y el musculado arponero canadiense Ned Land. Este trío es tomado prisionero por los hombres de Nemo, viajan dentro del Nautilus y se unen a la tripulación hasta que logran escapar, perdiendo el rastro del fantástico submarino.

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Una portada de Liberty Meadows

Hay vida más allá de ‘Peanuts‘, esa mítica tira en la que un perro llamado Snoopy y un perdedor de nombre Charlie Brown tenían a su alrededor un universo casi inacabable. ‘Liberty Meadows’ es una tira cómica escrita y dibujada por el prestigioso Frank Cho, que mezcla de forma muy natural la ácida picaresca adulta con los personajes más propios de la infancia más tierna.

Sin llegar a la tendencia metafísica de ‘Calvin y Hobbes‘ de Bill Waterson, lo cierto es que ‘Liberty Meadows’ esconde mucho más de lo que parece. Narra las peripecias de Frank y Brandy, los empleados más activos del lugar que da título a la obra, una especie de centro psiquiátrico de retiro para animales. Así, los dos protagonistas han de solventar la difícil rutina con los pacientes: Ralph, un oso enano escapado del circo; Truman, un pato que no sobreviviría solo ni cinco minutos; Leslie, una rana hipocondríaca…

Agrupados en series de cuatro o cinco viñetas, los esperpentos que transcurren en la estancia tienen una unicidad cómica muy trabajada y lograda. ‘Liberty Meadows’ está repleto de chistes autorreferentes, parodia del mundo de la TV, el cine, la música, y hasta del american way of life.

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Ultimate Spider-Man

Ah, los buenos viejos tiempos, la edad dorada de los cómics. Por aquel entonces sólo hacía falta que te cayera un meteorito al lado o te irradiaran con partículas gamma para convertirte en todo un superhéroe sin efectos secundarios. ¿Y los villanos? Señores de la Guerra espaciales como Dios manda y científicos locos ambiguamente nazi/comunistas. Tiempos sencillos en los que un héroe sólo tenía que preocuparse de aporrear al malo y disimular ante la chica decidida, temperamental y metomentodo.

Entonces llegaron los sesenta, la edad de plata, y un joven autor que comenzaba a firmar como Stan Lee decidió que ya era hora de poner los superpies en la tierra: los superhéroes debían empezar a tener superproblemas. En 1962 Lee creó junto al dibujante Steve Ditko a Spiderman, el paradigma del héroe con una desastrosa vida privada a sus espaldas. Es el empollón de la clase, constantemente defrauda a la tía May, se desespera con la coqueta de Mary Jane… ¿Qué mas le puede pasar?

Pues que la desagradable realidad cotidiana se ponga al día incluso en el universo del cómic y Peter Parker pase a ser una víctima más de la crisis mundial. En los próximos números de la serie ‘Ultimate Spider-Man’, que actualiza el personaje dándole una trama más contemporánea, Parker perderá su trabajo como diseñador web freelance y terminará trabajando en el McDonalds. De haber conservado su empleo original, fotógrafo de prensa, no le hubiera quedado otra que la prejubilación.

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Cuenta Neil Gaiman en la introducción al tomo recopilatorio ‘Lo mejor de The Spirit’ (Norma editorial) que se encontró por primera vez con este cómic en los años setenta, en una venta de segunda mano. El contraste vanguardista de su trazo y entintado le impulsó a adquirirlo enseguida, pero cual sería su sorpresa al descubrir que era un cómic antiguo de tres décadas. Y aún perduraría como pionero: Darle alcance le costó al mundo literalmente sesenta años.

The Spirit se publicó como suplemento de prensa de 1940 a 1952. Detrás estaba la mente inquieta de Will Eisner, uno de tantos jóvenes artistas que intentaban triunfar con el último éxito de masas, los cómics. Como tantos otros, era descendiente de judíos europeos, ampliamente autodidacta y trabajaba de manera prácticamente industrial, sin apenas derechos sobre su creación. Con The Spirit Eisner cambiaría dos cosas: la forma de entender el cómic, y la forma de ganarse la vida con ello.

A finales de 1939 ofrecieron a Eisner suplir a los periódicos, que buscaban una manera de combatir la popularidad de los comic-book, con una historieta de 16 páginas fijas. La condición era crear un superhéroe con traje, pero Eisner estaba harto de ellos, él quería un detective. Así que le puse un antifaz. – contaba – ¡Ahí tenéis el traje! Además cedía el copyright del personaje al editor, como era el uso, pero obligó a certificar que era su propiedad intelectual. No fue un gesto baladí. Ese mismo año Jerry Siegel y Joe Shuster creaban a Superman, y jamás llegarían a ver un céntimo por derechos de autor.

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