“Al morir Joaquín Monegro, encontróse entre sus papeles una especie de memoria de la sombría pasión que le hubo devorado en vida”. Así inicia Unamuno (Bilbao, 1.864 – Salamanca, 1.936) su “Abel Sánchez”. La pasión a que se refiere el autor no es otra que la envidia. Y es que, en efecto, esta novelita es un análisis de ella no sólo en sentido personal, sino también nacional.

Dos lineas de pensamiento conforman el conjunto de la obra unamuniana : el sentido de la vida y el tema de España. Toda su producción es una constante reflexión sobre ambas.

Y, así, el escritor vasco, que buceó como pocos en los recovecos del alma humana, a la vez que reflexionaba sobre la situación de su patria, llegó a la conclusión de que el mal de España residía en gran medida en la envidia. Ya lo dice en el mismo prólogo de la obra : “¡Qué trágica mi experiencia de la vida española!…….Esta terrible envidia, “phthonos” de los griegos, pueblo democrático y más bien demagógico como el español, ha sido el fermento de la vida social española. Lo supo acaso mejor que nadie Quevedo ; lo supo fray Luis de León. Acaso la soberbia de Felipe II no fue más que envidia……Toda esa apestosa enemiga de los neutros, de los hombres de sus casas, contra los políticos, ¿Qué es sino envidia? ¿De dónde nació la vieja Inquisición, hoy rediviva?”.
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Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944) fundó el movimiento futurista con un enardecido listado de principios subversivos en el arte y una justificación de la personalidad que asumirían estos intelectuales en el medio artístico. El tono del manifiesto futurista es desafiante, soberbio y violento; aparece en la revista Le Figaro de Francia, el 20 de febrero de 1909. La versión que comento es la traducción de Ramón Gómez de la Serna en la revista Prometeo de abril de 1909.

La presunción del joven Marinetti, de 22 años a la fecha de su manifiesto, en el artículo Le futurisme, inunda y satura su propuesta. Hace alarde de su juventud para justificar el desprecio al pasado cultural de occidente, queriendo instalarse ellos como un nuevo punto de referencia en la historia del arte, que sería llevada sin contar obras canónicas, museos, e imponiendo la violencia como valor supremo y motor de la creación estética. Presumió de las posibilidades de su movimiento, más el canon tradicional siguió valido.

La nueva fórmula del arte: Marinetti proclama la ecuación del arte como la suma de la violencia, injusticia y la crueldad. El fue un aristócrata displicente, muy seguro de su posición privilegiada, aunque también revaloró el trabajo de los obreros como actividad creadora de progreso. Es con la violencia que los futuristas esperan cumplir sus metas y proyectos en el arte, al llegar a los 40 años, ya no les importará que artistas más jóvenes los desplacen, opaquen y olviden.

A esta fórmula se le añade el culto a la velocidad, entendida como motor del cambio. En el manifiesto se considera que mirar al pasado es retroceder y admirar las obras de arte antiguas es desperdiciar energías que deberían promover el esfuerzo creador. Tiene tono revitalizante pero lo empaña el exceso, Marinetti se arriesgó a decir que un carro de carreras de 1909 era más hermoso que la Victoria de Samotracia o la Nike alada. Los coches de esa época alcanzaban en recta récords de 80 a 100 kilómetros por hora.
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Robert Frost (1874-1963) es un poeta modernista norteamericano que tuvo presente la filosofía y la sencillez en su poesía. Frost busca expresar verdades inmutables en su poema El camino no elegido, ya que está reflexionando sobre las leyes del cambio en la naturaleza. Este poema sigue el postulado de Heráclito de Efeso de que nadie se baña dos veces en el mismo río, porque este cambia y sus aguas están en movimiento. Además quien regresa del río también cambia por esta ley inmutable.

El poeta pasea en el bosque, tiene la opción de escoger dos caminos en una bifurcación de la senda. Elige el menos transitado, pero piensa en las posibilidades que le hubiera deparado tomar el camino no elegido. Es conciente de la diferencia, de que esta elección se perpetúa hasta la eternidad en causalidades muy sutiles que no afectan mayormente el devenir de las cosas pero que sí son captadas por su sensibilidad. El poeta concluye que habría tomado cualquier camino, pues se veían similares esa mañana.

La influencia de Heráclito: Heráclito postuló la ley del cambio, planteó un relativismo en el espacio que consideró sujeto a influencias mínimas de una serie de decisiones que interactúan entre sí y producen efectos de toda dimensión. Robert Frost tuvo que elegir en su vida dejar el camino de la abogacía en 1899, por motivos de salud; esta elección le valió volverse poeta y conocer amigos escritores de renombre como Ezra Pound. La vida para el poeta es una toma de decisiones que repercuten a la larga.

Frost piensa que el camino descartado podrá tomarlo otro día, el camino que toma es tupido, requería uso, es como si el se sintiera destinado a hollarlo para actualizarlo como camino en el universo. En un momento se siente tentado a caminar hacia atrás para regresar al camino desechado, pero eso habría sido un esfuerzo inútil en una vida que de todas maneras le impone decidir.
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El periodo de la historia de Inglaterra conocido como época victoriana en homenaje a quién rigió los destinos del país en ese periodo, la Reina Victoria (1.837 – 1.901), fue una etapa próspera en lo económico y también en lo artístico

La literatura inglesa cuenta con primeras figuras, como el gran Dickens, narrador de la Revolución industrial y sus consecuencias; las hermanas Brontë, con sus reminiscencias románticas ; Thackeray, fustigador de la hipocresía social en su novela “La feria de las vanidades”; los poetas Tennyson y Browning – este último considerado poco menos que un oráculo poético – religioso ; o R. L. Stevenson, narrador de aventuras y de misterios.

Pero, si algo curioso ocurre en la literatura inglesa de este periodo, ello es la aparición y desarrollo – con un clamoroso éxito – de la novela policiaca. Este género, fundado por Edgar Allan Poe en la ex colonia americana, fue acogido por la sociedad británica con auténtico entusiasmo y alcanzó un auge extraordinario, hasta el punto de que, desde entonces, es casi una tradición en la literatura de las islas la presencia de un autor de primera fila dentro de la modalidad. Sirva como ejemplo, por citar uno muy popular, la narrativa de Agatha Christie, ya en el siglo XX.

Quizá el primer novelista que cultiva el género en Inglaterra sea William Collins, aunque sus obras no sean estrictamente policiacas, sino que, más que de un crimen a resolver, se trate de aclarar un misterio. Así ocurre, por ejemplo, en “La piedra lunar”, novela de indudables cualidades estéticas, en la que Rachel Verinder contempla, incrédula, como su prometido le roba una magnífica piedra preciosa ; descifrar el motivo de este proceder y recuperar la joya constituyen el argumento. Por un pasaje preliminar, nos enteramos de que un tío de la protagonista se apropió de la piedra en un templo indio. Mientras cada personaje cuenta lo que sabe, se producen una serie de incidentes que complican la acción : uno de los sirvientes tiene un sospechoso comportamiento, se presentan tres indios dispuestos a recuperar el objeto sagrado, Rachel se muestra como una personalidad extraña…. Por fin, la aparición del sargento Cuff, con sus dotes investigadoras, resolverá el caso con inteligencia y lógica. Pero tanta importancia para su esclarecimiento como el policía tiene el informe que presenta el doctor Ezra Jennings.

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Esta es una guía para el que quiera crear sus propios cómics de Kung fu, este negocio ha estado presente desde antes de los juegos multimedia con creadores como Tony Wong; Andy Seto, dibujante para los conceptos de personajes de la saga King of Fighters y Wing Shin Ma. Estos estilos de historieta surgieron en China desde los 70´s por su tradición de artes marciales y la sutileza natural en el diseñador chino. Los cómics de este género se llaman manga en Japón, Manhua en China y Manwa en Corea.

Los cómics de artes marciales de hoy tienen preparación digital, el lujo de detalles, el reconocimiento de golpes, armas, vestimentas de artes como Kung Fu, Karate, las artes militares, el enfrentamiento entre héroes y villanos, ahora son tan exquisitos que sólo se diferencian por la caracterización del gesto, la mirada del mal versus la del bien. Casi ningún personaje es grotesco u horripilante, todas estas creaciones comparten belleza y delicadeza, pues el poder que detentan buenos y malos es similar.

Los lectores que quieran leer gratis esta guía de dibujo, disponen del siguiente link:

http://www.scribd.com/doc/3118171/How-to-draw-Kung-Fu-Comics

Los ojos lo dicen todo: La primera lección de esta guía es captar la emoción del personaje, si es un villano, importa la expresión de su maldad, la que se logra con una mezcla de sonrisa, fruncimiento de cejas y pesar. La ira está presente en el rostro del villano bajo la máscara de la risa despectiva. Los ojos del villano son delgados, sus cejas están bajas. Completa la caracterización el juego de sombras. En oposición, el héroe muestra los ojos abiertos y alerta, sus cejas un poco hacia abajo.

El héroe mira hacia arriba desde una cara agachada, para denotar confianza y determinación. Las líneas de expresión del entrecejo adoptan forma de L, y su boca está ligeramente en apuntando hacia abajo. En algunos personajes la mirada de confianza hacia el enemigo refleja mucha displicencia. Esto sirve para marcar la rivalidad entre héroes y villanos. Los cruces de estas expresiones en gestos ambiguos sirven para retratar a los antihéroes, quienes están en el límite del bien y el mal.

La oscuridad de las sombras entorno a los ojos y bordes del rostro del villano terminan de expresar su maldad. El dibujo actual volvería intercambiables a héroes y villanos, ya que todos son delicados, con predominio de los rasgos occidentales. Incluso héroes como Tidus y Squall Leonhart de Final Fantasy son adolescentes de tanta finura, que en convenciones de tiras cómicas para promocionar merchandising, eligen como Cosplay o modelo para el personaje a mujeres, aun en personajes varones de este tipo.

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El libro que nos ocupa es llamado “Tratado de la realización cinematográfica”. Su autor es el fallecido cineasta, profesor y teórico Leon Kulechov; también conocido como Lev Kulechov (o Kuleshov).

El libro que nos ocupa es llamado “Tratado de la realización cinematográfica”

Este señor nació en 1899 y murió en 1970, habiendo tenido una larga y prolífica vida en la que ofició como director en casi una veintena de películas.

Su nombre aparecerá relacionado al cine soviético, al de los años veinte, a ese cine revolucionario que compartió nombres como el de Serguei M. Eisenstein, Dovzhenko, Pudovkin, etc.

Este fue uno de los momentos más prolíficos en la relativamente corta historia del cine (que, desde nuestra perspectiva actual, va unida necesariamente a la del siglo XX más unos cinco años del XIX).

Y los nombres mencionados tampoco son nada casuales. ¿Por qué? El creador del “Acorazado Potemkin“, de “Alexander Nevsky” e “Iván el Terrible“ (que no es otro que el gran cineasta, teórico, montajista y también pedagogo Eisenstein) escribe un prólogo para este libro que salió publicado en 1948.

Pudovkin fue su alumno y quién llevaría algunas de sus teorizaciones a más.

Pero si hoy es escuchado su nombre de forma más o menos habitual se debe sobre todo a un elemento, un experimento y una expresión: “El efecto Kulechov”.
El experimento en sí es muy simple. Kulechov colocó la cara de un actor famoso en aquel momento frente a distintas situaciones; por ejemplo: un velorio; un día de campo en la primavera, una ciudad destrozada por un tsunami, etc. (no son éstas las situaciones que colocó, son ejemplos ilustrativos…).
Al preguntarle a la gente que opinaba sobre la interpretación del actor, ésta era descrita como muy buena, magistral, etc. Lo gracioso de todo esto estaba en que Kulechov, para el experimento había colocado exactamente la misma foto del famoso actor, uniéndola mediante un mecanismo de montaje a diferentes situaciones.
Creo que cualquier lector (si es que mi explicación se ha dejado entender) ha de poder sacar sus propias conclusiones respecto a tal experimento.

Y compartiré una trascendental reflexión con ustedes… Ahora entiendo porque se considera a Steven Seagal un actor. ¡Ja!

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Charles Bukowski (1920-1994) gusta a muchos, principalmente a los principiantes en poesía que lo mencionan en sus textos como cita de autoridad. Su estilo es pegajoso, rudo, es soez, muy evidente. Se marca a sí mismo por el escándalo y lo reconoce como un ethos que debe mantener aún a costo de hacer de la patanería una máscara que tenga que llevar de por vida. En su poema El pájaro azul, constantemente hace que su yo impida que aflore su lado tierno, sensible y delicado.

Bukowski está más presente en su vida con el trago, las putas, las peleas y las palabras fuertes que con la sensibilidad. El pájaro azul, como lo mejor en él, no puede salir a la luz porque tergiversaría su fama y reputación establecida de poeta sucio, loco y duro. El ave que representa lo ideal y mejor que puede tener el hombre, está en su corazón queriendo alzar vuelo, el que sólo le permite de noche para que en su etapa creativa durante el día no le sirva de influencia que cambie su estilo ya asumido.

Brutalmente discursivo: En las selecciones de poemas de Bukowski se realza la marca del yo por su presencia vital más oscura. La borrachera, la desilusión del amor, el tedio, la esposa como competencia a su poesía y fama, las prostitutas bestializadas como máquinas de copular; todo esto junto con la lisura o mala palabra es el universo de Bukowski. A pesar de su grosería, este poeta tiene momentos acertados, está dentro de la poesía confesional, del protagonismo del yo que huye a la ternura.
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Mark Strand (Canadá, 1934) logra en su poema Mi hijo, conectar lo que estuvo en potencia de la paternidad de un hombre, con la constatación de la ausencia del hijo, que nunca llegó al mundo empírico. Reproduce el vínculo paternal y la correspondiente respuesta filial desde el vacío. La ausencia es un mundo difícil de explorar, por ello no encasillaría a Strand en un ismo limitado, este poema es perfecto, muy elaborado y auto sostenido en todas sus partes, como corresponde con la poesía pura.

Strand se acercó a la obra de Alberti y de Carlos Drummond de Andrade (Brasil, 1902-1987), según el epígrafe sigue el estilo del poeta brasilero. El poema evoca un encuentro metafísico, espiritual y puro, de un hombre que no se resignó a no ser padre con su hijo virtual, crecido pero incorpóreo o “descarnado” sin nombre, más liviano que el aire, pero conectado a su progenitor por el amor filial, que corresponde al deseo puro del padre frustrado en el mundo material.

La ausencia no es pérdida: El yo poético es un ser paternal, que no ha ejercido su paternidad con un hijo biológico. Tampoco ha perdido ni abandonado a un niño por el destino o por sus actos. El hijo se reconstruye como un fantasma que sigue los pasos del padre. El amor entre ambos es recíproco, los dos se han estado llamando, el padre buscándolo en el mundo y el hijo desde una dimensión que trasciende el amor, la presencia y la ausencia, del deseo de nacer igual para el todo o la nada.

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Charles Dickens (Inglaterra, 1812-1870) escarba en el odio y la mente insana de un hombre resentido con su hermano y su cuñada, en su cuento Confesión encontrada en una prisión de la época de Carlos II. El asesino de un niño indefenso cree ver en su sobrino la mirada de desprecio de su difunta cuñada, razón por la que tiende una trampa al infante para acuchillarlo con su espada. El asesino había heredado los bienes del niño, que criaba con su esposa y con los años odiaba más al pequeño.

El relato ocurre durante el reinado de Carlos II (gobernó de 1649 a 1685), el condenado cuenta como y porque mató a su sobrino desde su prisión, en la víspera antes de ser muerto por la justicia, mientras cavan la tumba que irá a ocupar. El hombre lleno de odio, envidiaba a su hermano por ser mejor parecido y tener mejores modales, sentía que su cuñada, hermana de su esposa lo odiaba y despreciaba mucho. En la vida se habían distanciado y el hermano enfermo pide que protejan a su hijo.

El odio: El reo odia a su sobrino, quien es protegido por su esposa, cuando ella cree que el niño ha desaparecido enferma y pierde la cordura al enterarse de la muerte del pequeño. El asesino confiesa que el niño no tuvo ningún gesto de miedo mientras el lo asesinaba, era de una estirpe valiente. A pesar que se propone la geminación de los matrimonios, dos hermanos con dos hermanas, repitiendo nexos, esto no lleva a que el asesino se acercase en vida a su hermano.
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Julio Cortázar (1914-1984) destacó por el relato fantástico, que se caracteriza por cuestionar la ficción propuesta al final de la narración. En el cuento Axolotl, Cortázar plantea la transmigración de la mente humana de un escritor obsesionado con los axolotl a uno de estos batracios de origen mexicano. El axolotl que fue hombre mantiene una especie de comunicación con su antiguo cuerpo, que cada vez frecuenta menos el acuario del Jardin des plantes.

La ficción se problematiza cuando el axolotl con mente de hombre que se pasa todo el día pensando concluye que el hombre que el fue va a escribir un relato sobre la transmigración de su mente, como si todo hubiese sido imaginado. El relato privilegia la conciencia de los axolotl similar a la humana, por su cara triangular rosada, sus ojos dorados, color del misterio para el simbolismo, y su actitud reflexiva que puede tenerlos inmóviles en el acuario por mucho tiempo.

Contemplación y fusión: La mezcla con los axolotl ocurre después de una prolongada contemplación de los batracios aztecas, emparentados con los tritones y salamandras, en el momento en que el hombre pega su cara al cristal del acuario fijando su vista en uno de estos seres, descubre que está viendo al hombre desde el cuerpo del axolotl. El narrador confiesa su transformación desde el principio y mantiene el vínculo entre estos anfibios y los hombres por el referente de la cultura azteca.

En el relato hay una velada competencia cultural entre México y Argentina, los aztecas por sus grandes obras líticas son expresados como cultura de piedra, y los axolotl tienen rigidez pétrea en sus rostros. Argentina tuvo influencia prehispánica de la cultura inca hasta Tucumán. La vida del hombre y los anfibios está separada por el cristal del acuario, hasta que su mente traspasa esa frontera física y se instala en el axolotl que guarda una memoria vital del humano que fue.

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